比如认为掌握某种技法就是学到了艺术，这是普通大众很容易误会的一个概念。技法有千千万，万法归一归根结底技法是为艺术服务的，一切技法都是围绕为艺术创作需要而产生的。石涛和尚说过：一画一法；无法之法乃为至法。因此，学习艺术不单纯是学习前人创作的技法这么简单的事情。学习艺术不怕眼高手低而怕眼低手高，要成为一个艺术家应该眼界越开阔越好，一个人只有从事艺术学习很多年后，对中外各种艺术形式风格流派了然于胸，就不再会轻易被某种技法迷惑而忽略去追求艺术本身。单靠掌握某种技法很难成为有创造性的画家。

艺术的价值在于独特性，不可复制性。吴冠中先生说：大师者创造也！只有能创造某种有趣味的艺术形式的人才能称的上大师，以此标准衡量，塞尚、莫奈、毕加索等可以算，齐白石不可否认也算大师，他是在传统中国画的基础上创造出了自己的趣味。塞尚曾经说过：我要用一个苹果来征服巴黎，他的确做到了，因为他画的苹果开创了新的艺术形式，为后来的现代艺术流派出产生奠定了基础，被尊称为西方现代艺术之父！

整个艺术史不是技术的熟练史，而是观念认识的变化史。艺术史之会记住那些开宗立派有独到创造性的艺术家。艺术家天经地义应该去发现新的办法去表达艺术，用别人的方法画的画可以连成几万米，用自己的方法画的画世上却没几幅，（毕加索语）。可见创造之难，创造之伟大。而有些动不动就画百米长卷，百某图的画家却没几个人能记住，是因为他们在艺术形式上没有开创性，他们没有创造艺术，他们不过是在用别人已经创造的语言来完成自己的作品而已。

学习艺术离不开技法练习，但应避免陷入技法的泥潭，当前很多人学习绘画的直接目的是为了考上美术学院，而一旦有考试就会有标准，一个人从小孩子开始就被灌输这种标准，然后按照这个标准练习久而久之会使他们以为这就是在学习艺术，这就是学到了艺术，其实这恰恰是在远离艺术，是在磨灭他对艺术的敏感和判断力。如果一个老师教出的学生都和自己画的一样实际上这是失败的艺术教育。

学习艺术最好有名师指点，所谓名师是指明白的老师，而非仅仅名气大的老师，当然二者具备更佳。古人说师者传道、授业、解惑也。能传道的老师是学习艺术最好的老师，他会根据每个学生的自身的天赋不同加以引导发现价值，从而创造出属于自己的艺术。吴先生常说，要画你心中的维纳斯！即画你心目中认为美的对象，不要背叛自己的感受，自己的好恶自己最清楚，只做到这样才能体现真善美。一旦你确定了自己喜欢的方向，那接下来就应该不断尝试，不断练习，不断精进，最终使自己的作品达到别人无法企及令人叹服的高度，那就意味着你创造出了艺术品。

创造艺术是一件很难的事情，他不会因为你是王公贵族而对你青眼有加，也不会因为你是平民百姓而对你熟视无睹，天时未到即使最睿智的人也令艺术品诞生（惠斯勒语）。有的人甚至穷极一生也没能创造出真正的艺术品，因此说从事艺术是一件冒险的事情，他也许会令你一生一无所获。

艺术是形而上的事业，是属于精神领域的劳动者，艺术品不是人人都需要的生活必须品，别的东西可以不是这个而是那个，而艺术品如果不是艺术品就什么也不是。艺术家的创造和回报往往是不成比例，艺术家创造出的艺术品需要得到人们的认可才能换取物质，这不同于做买卖那么直接获得报酬。而艺术家创造的作品在他们有生之年往往会不被世人接受，甚至还备受排挤和打击，因此艺术家的人生往往是艰难，这便是为什么凡高早早自杀的原因。鲁迅很早就看透了这个行业的人生宿命，撰文中提到不建议其子女将来做空头的艺术家。

人生是短暂的，如梦幻泡影，如露亦如电！假如你已经进入了这个领域，成为开水也浇不死的花的话那就不要去想太多的艰难阻力，专心去做你该做的事情吧，正如毕加索说的：当我们以忘我的精神去工作，有时我们所做的事情会自动倾向我们，不必过分烦恼各种事情，因为他们会自然或偶然来到你身边，死亡也是一样。有人说艺术家是殉道者，事实亦如此。如果在我们短暂的一生中能在世上以作品的形式留下我们的痕迹，那不也是另一种完美人生吗？

以上更多是从悟的角度谈对这个职业的体会和认识。学习艺术还有很多具体的问题可以展开探讨。

艺术是人类共通的语言，就像歌曲一样只要你动听是人都爱听，但在现实中国，学习绘画艺术确有东西方绘画两大阵营存在，如果你是一个初学者，如果没有明白的人积极引导，在这个乱局中一定会很迷惑，甚至要走弯路。造成这个局面是和我们的历史有很大关系，中国是一个长期保守的封建国家，长期以来我们自己产生了自己独特的艺术趣味——中国画，同时我们又是一个不断开放借鉴西方文化科技的国家，其中也包括学习西方的文化艺术，因此就像我们现在的语言教育一样，母语是我们的汉语，但从小到大我们都被要求学习外语，一致于不学外语就什么考试也无法通过。之所以是这样的局面，也是因为我们多年的闭关锁国令我们文化科技落后于西方。文化科技引领时代潮流，当前西方文化艺术理念自然也代表着在这个时代人类的先进文明。

既然客观上有两种不同的文化艺术形式存在，自然也就有两种不同的学习方法存在，这里我们不妨梳理一下这两种艺术形式究竟有那些异同。

首先，东方的绘画是以线为主的表达方式，从唐朝吴道子《八十一神仙卷》我们可以看到，中国人对于线的造型已经发挥到了极致的状态，具有高超的艺术表现力，这种以线为造型手段的绘画还可以从印度、埃及等国家的艺术看到。他的另一个突出特点就是画面没有阴影，是以平涂为主，这是整个东方绘画的特点。

而西方绘画是以光影为造型手段的，借助光影成像原理来表现立体三维空间，由于这种绘画技巧使西方绘画中写实作品比比皆是，又因为这种方法在近代被徐悲鸿引进中国，并在中国各大美院普及推广，使得成为目前中国各大美院造型的主流技法，今天如果想上美院的学生是无法绕开这种技法训练课程的。

这也是历史的产物，中国政府自从解放以来一直秉承现实主义的文艺方针，也只有现实主义的画风能易于广大百姓接受和理解，歌颂党的大政方针是那一代艺术家必须的使命，在这种主旋律的指引下艺术家是没有太大的创造自由度，因此选择现实主义是无法回避的事情。

这并不意味着我们已经掌握了西方艺术的真谛，每一个从事艺术创作的人应该明白一个真理：任何以政治宣讲及道德说教为目的的所谓主题绘画都是借艺术之名本质上是远离艺术的行为。政治往往借助艺术，而艺术不能成为政治的附庸而存在，否者就是宣传品而非艺术品。

道相似形相远，当中国画家努力模仿西方艺术的同时，西方绘画却在走向变革。因为西方画家在照相机技术出现以后很快意识到了写实绘画存在已经没有了意义，因此他们开始寻求的艺术语言表达艺术甚至将目光转移到向东方艺术学习。自塞尚以后有马蒂斯、毕加索、莫奈、梵高等不同艺术流派产生，他们或多或少都吸取了东方艺术形式。

与此同时，留学法国的中国画家林风眠将目光关注到这批革新派画家的成果，并将之引进中国，努力将他们的艺术理念和中国传统艺术相结合，创造出中西融合的绘画语言，影响了以朱德群、赵无极、吴冠中为代表的一批留学生画家，他们的作品代表着新的中国艺术面貌逐渐被世界所接受认可，成为当代中国艺术领域一股难得的创新艺术流派。

在中国本土，另一位影响深远的创新艺术家是齐白石，他是在传统中国画的基础上创造出了新的艺术趣味。徐悲鸿总结他的最大贡献是改良了中国画的色彩感，使中国画赋予了欣欣向荣的时代气息。他不画悲观的对象，只画自己熟悉的，健康的，清新的题材。由于他是农民出生，因此他画里多是自己熟悉的鸡、鸭、鱼、蟹、水牛、花草、昆虫之类的事物。

齐白石衰年变法是中国近代艺术史上很经典的案例，他是非常明白艺术家的使命是在创的的传统画家，虽然画了很多年画，也渐渐被人所接受但还是不满意自己的成就，于是在60岁时他独闯北京重新变法，追求达到艺术更高的境界。由于他的天赋，个人努力，以及贵人相助等诸多原因使他成为近代中国画坛一个无法超越的传奇，一个北漂画家最励志的榜样。

谈到这里回到开篇的主题：艺术不是教出的，艺术来源于生活，是生命个体的独特体现，艺术家的价值在于创造。悟出其中的道理对学习艺术将事半功倍。（吴秀生）

来源:艺术中国责任编辑:简宁