闻立鹏：追寻至美的脚步 始终不曾停歇

闻立鹏

　人物名片：

　　闻立鹏，1931年生于湖北浠水，1947年入晋冀鲁豫解放区北方大学文艺学院美术系学习，1963年毕业于中央美术学院油画研究班，现为中央美术学院教授。曾任中央美术学院油画系主任、中国油画学会副主席、中国美术家协会油画艺术委员会副主任。代表作品包括《红烛颂》《大地的女儿》《国际歌》《静夜》等。出版有《闻立鹏油画选集》《闻立鹏画集》等，与张同霞合著《闻一多传》，合编《闻一多全集美术卷》《闻一多印选》《闻一多书信手迹全编》等，1978年以来共发表美术文论百余篇，出版《闻立鹏文集》四卷。

　　1919年9月，清华园里又多了一个社团——美术社，它的发起人是闻一多、杨廷宝、方来……此后，清华美术社活动影响日渐扩大，最后社员扩大到60多名，其中包括后来成为著名建筑师的梁思成。

交响红白黑（油画） 113×182厘米 2005年 闻立鹏

　　“艺术在他的头脑里已不只是一种爱好、一种娱乐的消遣与寄托、一种绘画技能的训练。什么是艺术？什么是美？艺术和生命有什么关系？”80年后，闻一多之子闻立鹏在1999年出版的《闻一多传》中如此追问。他同时发出这样的感慨：“闻一多在苦苦地思考，一代青年在苦苦地求索……闻一多出国深造前在美术方面取得的突出成就，以及美术社成员梁思成、杨廷宝后来成为著名建筑艺术家，反映了中国青年的天才智慧与悟性，也说明清华当时注重美育，强调人的全面素质培养方针的重要意义。”

　　追寻至美

　　将镜头从清华美术社的成立拉回至99年后的2018年，已经从事美术事业70余年的闻立鹏，与中央美术学院周令钊等几位老教授一起，给中共中央总书记、国家主席、中央军委主席习近平写信，表达了进一步加强美育工作的心声。

　　作为闻一多的儿子，闻立鹏对于审美精神的思考由来有自，甚至可以说，这种反思的自觉早已融入他的血液。1920年10月，年仅21岁的闻一多在《清华年刊》发表文章，后来，闻立鹏曾特别引用过父亲的一段话：“世界本是一间天然的美术馆。人类在这个美术馆中间住着，天天摹仿那些天然的美术品，同造物争妍斗巧……人的所以为人，全在这点美术的观念。提倡美术就是尊重人格。”

　　美术的价值、审美的意义被闻一多放到了极为重要的位置。闻立鹏回忆起自己的美术道路时说：“除了小时候的养育和熏陶外，隨着我自己年龄和阅历的增长，对父亲的理解逐渐加深……慢慢从审美角度考虑这个问题，我的艺术更加自觉追求体悟一种境界与情感，是从审美角度考虑，不是简单反映什么事情，把它画得像就完了，而是怎么体现美。”

　　“创造崇高、壮美的意境，是闻立鹏的艺术理想……诗人闻一多的事迹最震撼人心的，是他充实的生命在他事业上升临近顶峰时悲壮的结束。在生活中，这是最大的悲痛。从美学角度看，这种悲痛具有崇高、壮丽、辉煌的意味……对崇高、壮美的追求的态度，从本质上说，是对高尚、伟大的人类灵魂的追求。”美术理论家水天中如此评析闻立鹏的创作追求。

　　闻立鹏将闻一多的特点概括为“追寻至美的审美人生”，而他自己也正是沿着这样的道路一直探索着。

　　呼唤真诚

　　为什么今天的艺术作品难以打动人心？为什么在经验积累、技术条件、文化传播等诸多方面都远远优越于前人的当下，反而鲜见艺术高峰的出现？

　　“一切成功的艺术创作经验都证明一点，‘能动人者，大抵情真’。区别真正的艺术与虚假的艺术的标准，就看艺术中的感情真挚与否。艺术创作，特别反对无动于衷，冷漠无情。没有感情的语言必然是废话、空话、应酬话。”对于艺术的价值和作用，闻立鹏说：“艺术功能多样，总离不开人生的目的。艺术的审美功能是最本质的，无论什么体裁和题材，我追求真善美的统一。”而对于如何实现艺术的成功，闻立鹏更是直言：“艺术真诚，这是艺术创造活动中一种最神奇的力量。”

　　如果说在其代表作品《红烛颂》《大地的女儿》等人物主题油画的创作中，闻立鹏的真挚情感和艺术良知是最能打动观者的因素，那么在此后从写真到写意、从人物到风景的转型探索中，闻立鹏的自然世界里同样充盈着真诚而浓烈的个人情感——变与不变之间，展现的正是艺术家坚守真诚的精神内核。

　　闻立鹏说：“我深切体会到，艺术从发现与感受开始，却不应以临摹和复制告终，艺术贵在有所创造。而这一切，关键在于真情二字……只有用心灵才能感悟大自然的美、倾听大自然的声音，才能回应大自然的倾诉与呼唤，而自然地流淌出画家的心声。”

　　美术理论家邵大箴称：“闻立鹏在当代中国美术界备受人们尊重。” 而水天中则直接将闻立鹏的为艺为人概括为：“真诚地作画，诚挚地做人。”

　　寻找自己

　　“文革”之后，和许多人一样，闻立鹏也曾面对“找到自己”的命题，他坦言：“不知道该怎么画了，陷入一种盲目状态。”“创作活动随大流，总是极力加大保险系数，走旱涝保收的道路，磨光了任何个性的棱角。”“千人一面，自我失落。”改革开放以后，闻立鹏也成为较早举办个展、作品较早进入收藏市场的艺术家。此后的市场洪流中，同样需要艺术家面对如何“坚守自己”的问题。

　　而另一方面，除了人格上的那个自我，一个艺术家还需要找到艺术语言上的那个自我。两个自我相互关联，互为映照。

　　对于前一个问题——也是今天被人们不断提及的问题，早在1995年闻立鹏便提出了警示，他说：“在商品社会，艺术品通过流通传播到社会，因此艺术品也具有某些商品的属性和价值，进而可能具有某种市场价格。但画家作画，首先追求的是艺术价值与品位，这样才能保持一种真诚的心态和独立的人格，才不会受制于人，才不会被市场上‘无形的手’所操纵而失去自我。”

　　多年来，闻立鹏总是不断地提醒后学晚辈：“现在的商业化对年轻画家冲击很大……我希望年轻画家保持初心，坚定自己的艺术追求，不能为了作品的商业价值而去绘画，一味迎合市场。如果画家有自己的艺术追求，能让市场来迎合你，那是好事。”他甚而更语重心长地给出建议：“多掌握几种技能，以满足温饱。但追求艺术的决心不能忘记。”

　　1986年，当不少人沉浸在西方至上的情调中时，闻立鹏即明确表示：“作为一个中国油画家，我的艺术触角将同时向东西方两个方向探索。我不拒绝西方艺术体系的观念与技巧，无论是古典或现代的、具象或抽象的；我也决不放松对中国东方艺术体系的学习与吸收，不管是传统还是民间的。让艺术具有现代的、中国的、个性的素质，这是我心里的目标。”而当30年后的今天，这样的观点成为业界普遍共识时，我们更能感受到闻立鹏对“自己”的清醒意识。

　　闻立鹏也不忽视具体的观念、风格、技法等方面的探索，他更希望画家们建立大美术的观念，越出画框的范围，更多地关注社会、关注环境。“如果不能做到亲自切入大美术的其他领域的话，起码也要从狭隘的审美圈子中走出来，让美和力共同升华。”

　　他的学生杨飞云说：“闻先生是一位有核心精神追求，有鲜明艺术特色的学者型艺术家，是我甚为敬重的师长……闻先生几十年来一直在语言材料上进行着个人的探索。这些作品构造精炼，具有强烈的表现力。色彩归纳概括，素描简洁到位，侧重表现情绪。画面重视坚实的结构，有着碑刻金石味的力道，雕塑般刀劈斧凿的力度。版画的构成方式，英雄主义式的气质和力量，坚韧的象征意味，构成了闻先生鲜明的个人风格。”

　　2016年和2017年，“心迹刻痕——闻立鹏油画艺术展”先后在中国美术馆和湖北美术馆展出，耄耋之年的闻立鹏回顾了自己的创作生涯。“我的艺术远没有达到理想的高度，但毕竟也都是我苦心追求艺术心血的结晶。”他如此谦逊地总结。

　　“几乎每次接受采访都会被问到我父亲，确实，父亲对我的影响很大，而且是一辈子的。”闻立鹏很难绕过父亲闻一多的光环。但显然，这光环远非世俗意义上的光环，而是成为一种永恒的精神指引，一座审美王国里的闪亮航标。（朱永安）