“朦胧”一词出现在绘画史上最早在日本的明治时期。当时，对冈仓天心“新日本画”思想深感共鸣的日本画家菱田春草、横山大观等人，在学习了色彩丰富的西洋绘画之余，尝试摆脱日本传统绘画的束缚，努力摸索一种全新的表现方式。画家们不主张延续日本传统绘画中强调的“书写性”的“线”，而是改用不同的色调渐变来营造出丰富的视觉层次，使得画面拥有一种清淡而蔓延开来的“朦胧感”。

进入展厅要穿过的拱门

策展人魏祥奇谈到，东京画廊从2013年开始持续数年推出“新朦胧主义”这一主题，试图整合东亚现代性的独特经验，开辟出艺术之新的可能性。“新朦胧主义”主张东方美学，回归自然，消除西方现当代哲学中关于物和人的讨论。事实上就是探求艺术家对自我主体精神的建构，思考真正用自己的内心观照事物，而非迷失在对他者的想象之中。视觉的朦胧是一方面，另一方面是消解人和自然之间的隔阂，主张人和自然融为一体，有着朦胧的诗意和东方精神。

本次展览的主题为“云深处”，由贾岛的《寻隐者不遇》得来，其中有两句诗是“只在此山中，云深不知处。”预设了寻访蛰居山中高士的独特文化经验：几位艺术家的作品很接近，都在画中描绘了他们心中的桃花源。

泰祥洲作品

叶剑青《水影》布面油画 2016年

一走进展厅，迎面所见是泰祥洲创作的陨石，这是进入中国传统园林建筑的开始。在中国传统文化中，岩石和山体是同在的，当穿行、游览于皇家抑或文人士大夫的园林之中时，岩石堆砌的假山，始终是最为核心的空间构成之一，隐喻着主人内在的山林精神。石头预示着起源，每一块都是一个能量体，其中隐藏着发现宇宙起源的信息。

穿过由宣纸和木搭建的展墙，左手边是叶剑青笔下去日本旅行时看到的雨中美景。他用油画描绘出了奈良的水影，倒映的古塔和树影，有里希特的影响。可以想见我们已经站立于院墙之内，向观者呈现的是“此山”的存在。因为有了光影，我们才真正感受到空间的形态。地面上的水洼，像镜面一样反射出斑驳的树影，令整个视觉空间出现了多维的层次。水面，就像是可以穿越到另外一个时空的膜，现实空间中的繁复被减化为一块平面上的图像，景物变得富有诗意。

朱建忠作品局部

王舒野作品局部

再凭栏远眺，往前是朱建忠的青松隐匿在云雾之间，喻示着“远山”的神秘之境。他认为气是万物之始，道家有元气说，生命就是气的汇聚，而气消则人去。他所描绘的山林之中有云气，当是神仙之所，或是有神仙过境，抑或是有世外高人隐居其中。崇山峻岭之间、密林之中，亦有得道之人，或者正是因为他们的存在，才环生出了云气，才有了“云深不知处。”

抽身而出，再见王舒野的都市夜景，似乎是从仙境回归到现实空间之中，有“大隐隐于市”之感。王舒野在作品中用光勾勒出了城市的轮廓，认为都市里的霓虹灯是欲望的，也是无情和冷酷的。就像午夜后的路灯一样，使都市更显得冰凉和清冷。他在反思人们是否能够像在隐居在山林之间，看见岩石、溪流、绿叶和云气一样，在当代都市生活中，同样获得平静的内心。

人的精神的相遇，是在云之深处营造的空间意境之中，更是在自我内心深处的微妙感悟。新朦胧主义展览每年10月都会在东京画廊展出，下一个阶段的发展方向是让几位艺术家就同一个题材进行演绎。