黎伟明：在油画语境里营造出气韵的肌理线条

　　黎伟明在油画创作中使用毛笔，让油画也有了中国画的意境。

　　百合是黎伟明当前创作的重要题材

　　可贵者胆，所要者魂

　　记者：跟我们说说为什么绘画的对象从原来的房子、人物转变到静态的植物、百合花?

　　黎伟明：这反映了我们艺术家所拥有的浪漫情怀，不拘泥于具象的学术的表达。我画的百合比较鲜艳、活跃，比别人画的要更潇洒和抽象。在油画领域，有一条规则，如果你想参赛或表现自己的水准，就必须画诸如建筑、人物这一类学术性较强的题材。如果你在比赛中画花，那你肯定马上被淘汰。

　　所以对我来说，开始画花，最初并没有太多想法，就是想利用它来调整自己的心态。最开始画的也不是百合，而是广州人日常生活中多见的姜花。后来姜花渐渐少了，而我身边又数百合最多，于是我画百合的次数就越来越多。王肇民先生曾引用李可染先生的一句话说“可贵者胆，所要者魂”，我对这句话的认识现在是越来越深刻了。只需要你大胆地有自己的想法去画，最后总能收获不一样的东西。我画了这么久的百合之后，再回头去画风景、人物，也有了不同的效果。

　　记者：你在创作中还有一个鲜明的特点，就是用毛笔来画油画。你是从什么时候开始用毛笔创作的?

　　黎伟明：也是在10多年前画百合以后，走出学院派的限制，我开始尝试用越来越多不同的方式来创作，毛笔就是其中的一种。

　　一般来说，油画创作大多用的是排笔、油画笔来画，但我兼用毛笔，用中国画的点和线来勾勒，在油画的语境里营造出一种气韵的肌理与线条。再融合中国画的构图，保留空间和节奏感，最终呈现出的是带有东方人的绘画味道和审美特征的作品。

　　在百合花的创作上实践后，我自然按着这个思路创作了一些其他题材的作品，比如有一张以房子为题材的《有活佛的哲蚌寺》，我用毛笔来勾线。我发现效果非常好，如果用普通的油画笔来画线，会特别生硬，而且粗细也不一样。用毛笔画的话，浓淡表现得特别明显，色彩也更加丰富。

　　记者：用毛笔来画油画，难度会在什么地方呢?

　　黎伟明：肯定是有一些难度的。比如说，将风景、人物画得很写实、很逼真，这不是中国人的风格。油画在欧美发展了这么多年，无论是写实还是抽象的基础，其实最终都是在欧洲。我们在中国，哪怕是付出数倍的努力，也没办法达到他们的高度。

　　我们能比的是什么，那就是我们骨子里的书法、国画里的笔墨的基础，这是属于我们传统的东西。从写实到抽象，在中国传统绘画中也有自己清晰的脉络。今天的中国油画处于东西方之间，就必须有意识地去吸收和融合两者的优势。

　　比如说，很多欧洲画家画花是没有气韵的，包括风景画家，根本做不到画如其人;相反，中国人画花，讲究的就是浓淡轻重，点线面的气韵，所以中国画是气韵生动的。如果能把这种中国画的思路运用到油画创作中，艺术家很容易就找到自己的突破口，最终形成自己的独特风格。

　　为思想服务

　　记者：你当初热爱中国传统书画，那为什么最终还会选择画油画呢?

　　黎伟明：我中学之前是学书法和国画的，为迎接高考必须按照考美术学院的要求来学习的，从素描到水彩、水粉画，一个都不能少。但后来由于家庭条件有限，我父亲不允许我报读美院，只让我把艺术作为爱好。有了稳定的工作和家庭之后，我感觉自己还是离不开绘画，最终还是回到了这条路上，有一种使命感。

　　虽然有15年的时间我没有创作，而我始终跟艺术保持着紧密联系。只要有空我就泡在美术馆里，不管是国画书法还是油画，都会非常仔细地看。那段时间也读了大量关于美术史的书，一边工作一边研究。

　　记者：所以其实没有经过美院的学院派教育，对你来说其实也有不少好处?

　　黎伟明：是的。为什么陈丹青先生老骂素描?其实他也是受害者。同样都是学素描的，徐悲鸿那一批留学法国的，出了很多大师，但去苏联留学的那一批反倒没几个大师。就是因为在苏联被他们刻版的素描观影响了，造成信息很窄，学得太极端了。1949年以后，我们又是在苏联的基础上建立的美术学院体系，可以说苏联的素描教育害了不少人。素描是有帮助的，但是不能走极端。

　　对我来说，虽然有15年没有画画，但其实就相当于读了一个研究生，既学习了理论，也学了艺术史。等我后来再重新开始创作，回到广美进修，跟别人一起，我发现自己无论是写实还是画其他类型的画，都与众不同了。

　　虽然我受美院老师的影响比较小，但我非常了解他们，跟他们也有很深的来往。我也受过杨晓老师的指点，他说我的笔法比较大气厚重，要我坚持走我自己的这条路。他还告诉我哪些大师的笔法比较接近我的风格，让我去向他们学习，吸收他们的东西。胡矩湛老师曾告诫我，让我不要玩结构，玩结构的人有大把，玩色彩也挺好的。所以，我从各方面吸收了一些我能做得到的，同时又能表达我思想的绘画语言。除了油画、国画，我也画过丙烯画等等。从各个方面都吸收了不少东西，为我所用。让所有的技法、手法、材料，都要为我的思想服务。

　　记者：像我们现在看到的那一批你说的学术性较强的画，无论是西藏，还是人物，都是你上一个阶段很有代表性的创作。现在再看这些作品，你会觉得有哪些是不足的吗?

　　黎伟明：从我一步一个脚印的实践来看，它们没有不足。构图和审美都符合学术的要求。我的《穿红衣服的人》，很多画写实的人都会觉得画不够唯美。但是错了，我就是画这种风霜，这种暴晒，构图很厚重，深沉的色彩。一个白墙，隐隐约约有一扇窗，还有一个老头。本来他手上提了东西，有拐棍和拎钟，我都去掉了，来加强思想性。

　　所以，我们搞绘画艺术的，要懂得素描，也要懂得写生，还要懂得构图，要懂得它们之间的关系。但是，我们不依赖那些。我们中国有句话，“从无法到有法”，所有的手法、技法、绘画材料都是为我所用的，我很高兴我能做到这样，所以我对人物创作、风景创作等等这些都行。

　　黎伟明的画法暗合艺术审美的这一境界，他的块状笔触，表面上是为了表现古建筑外墙的斑驳，深层的用意则是借这现成的观感来表现各种局部的节奏。他的画也正因为节奏细腻丰富，情感与思想的表达就显得特别充分。其实，选择乡土和历史题材的画家大有人在，黎伟明所以能够脱颖而出，全在于他不把艺术表现的重心放在对题材本身的形体刻画上，而是着重于通过色彩和调子的节奏，来表达自己对题材的主观感受。

    黎伟明

　　广东画院签约画家，中国美术家协会会员，中国国际现代艺术研究中心研究员，文化部中国文化管理协会艺术家委员会理事。2007年，《绿水悠悠》入第三届北京国际双年展备选资格展，组委会收藏(北京);2007年，《老房子》入选由中国美术家协会主办的中国东盟青年艺术品创作大展，组委会收藏(广西博物馆);2011年7月《风云沙面》入选百年风云-广东近代重大历史题材美术作展览获优秀奖(广东美术馆)。

　　在广东，国画创作有悠久传统，艺术家群体大，市场接受度高，而油画受瞩目的程度就弱一些，但即便如此，广东近几年还是涌现出了一批不错的油画家，黎伟明就是其中之一。

　　与经过系统学院派教育的画家不同，黎伟明属于“野生派”，他没有在广州美院学习过，能坚持到现在并成为职业画家，除了先天对色彩的敏感，更多的是靠自己的勤奋和努力。

　　黎伟明明白自己的优势和劣势。在前10年，他一直都在画学院派绘画，这种画以建筑和人物为主，一丝不苟。它们像是基础训练，也像是在向业界宣示，即便自己未受过正统的学院教育，但仍然有扎实的基础。

　　在迈过这个坎后，黎伟明开始走出各种条条框框，他开始画花，开始将中国传统绘画中的水墨概念带到油画中来，慢慢摸索出了一条自己的路子。（作者 颜亮）