　　天津美术网讯 2017年10月15日-28日，2017新写实油画展（Neo-realist Paintings Exhibition），将在保利艺术博物馆10层开幕。何振浩、何红蓓、何净、李卓、刘晟、仝紫云、吴志军、薛堃、于明、杨洋、仲清华等艺术家受邀参展，是当下国内写实油画领域的一次重要展览。清华大学美术学院副院长、博导，张敢教授应邀担任本次展览的学术主持。

　　本次展览由保利艺术博物馆主办、南京新路艺术教育承办、艺术档案协办，策展人关红，王益东、邹飞为出品人。

艺术家何振浩

　　何振浩：甘之如饴——再谈我的绘画

　　一个被称为画家的人需要怎样的自信让自己成为一个真正的画家？这是一个有趣但又有点悲哀的说法。画画是我的宿命，因为自己一直觉得还可以画下去，可以画得更好。可又一直觉得自己不太善于做画家。会画画，喜欢画画，和做一名画家还真是两码事。一个只是单纯到自我满足的个人事物。另一个则是联系自己，作品和周围各个环节的社会性角色。每每让自己放在这样的社会链中就有一种无所适从的感觉。然后就有一种希望尽快摆脱的逆反心理。一个喜欢艺术的人时常也会讨厌一些与艺术相关的事物，听起来矛盾，但确实也是自己某些时刻的心理写照。

　　自从小时候学画开始，把绘画看得神圣伟大，感觉那是极自然的事情。当年也确有为艺术献身的理想和为之疯狂的内在冲动。但是现在想来或许掺杂着对艺术与艺术史的过度迷恋与迷信。艺术向来有神奇的致幻与迷惑作用。当自己在大师的作品前陶醉，艺术的迷幻力量就作用在自己身上了。喜欢这样的深陷其中，但深陷其中的自己却并非是真正的自己。当自己重新爬回现实，面对自己的画布时。我知道面对的是时空的不可再生。我，依旧要回到自己的老巢里，只能用自己的力量塑造自己的肖像，讲述自己的故事。至于艺术的表达方式，我也只有当下的自己所能驾驭的那些手段。再牛逼的借鉴也是借鉴。再深刻的影响也是读来的影响，我无法心安理得地用在自己的作品中。

　　艺术史上的大师，更多还是在时代的局限中创造出他们个体的独创性。这种独创性的产生是艺术家挖掘自身的艺术理解的结果，是一种可以忘却周围的孤独与自信的混合的精神产物。我认为它是一种个体精神的产物，就是更多地理解为艺术的独特并不太依赖时代的影响，而是艺术家在时代影响下敏锐地做出自己的反应和持续不断认识自我的一种体现。有时候表现为或适度或极端地有意识地脱离这个时代，这本质上就是一种超越。

　　当画画不再期待它的牛逼结果，而只是为一个想法去按部就班体验一种描述的过程。这样的状态我确实是享受而且心安理得的。让自己能在艺术表现和自我入画之间找到某种结合点，是近来自己艺术创作的最大体会。即希望自己可以掌控绘画，同时又被绘画本身掌控。这样的作画方式和之前学画时大为不同。记得以前总会为画不好而烦恼不已。现在画不好依然烦恼，但是却暗自庆幸自己又有了这些不顺与障碍的来临与纠缠。体验这些痛苦和不安既是体验不一样的创作过程。又是切切实实地在绘画的里层与表层留下金矿一般的积累与铺垫。所有的好与不好，顺与不顺，都是作品的共有价值。唯有内心的尊重与坦白，才会让真实的自己幻化在艺术语言里，附着在作品的层叠与笔触交融之间。画好是自己，画不好更是自己。我突然明白了当年梵高作品的最大价值。在一种期望中前行与迸发，在一种绝望中坚持与忍耐，而在平静中结束作品。艺术史不乏技术与艺术的完美结合之作，更不乏技术的缺憾挡不了艺术的狂热之后的天造之作。如果前者被称为神来之作，那后者就是人所创造的让神都惊叹的作品了。留下自己的一切：包括别人眼里的缺憾、不理解，把自己当下的能量和感觉、理解与观念、技巧与非技巧，一同在创作过程中坦露，并且在无所畏惧中搅动混合。在这种艺术家掌控与被掌控中，作品最有可能凝结艺术家本真的特质和感人的情绪。也最有可能出现代表自己的真实的艺术作品。

　　乔托的伟大不在于画的技巧，更在于溢出画面的感人的悲怆的真实感。在文艺复兴早期的有名和无名的圣像画作品中最让我感动的就是这种坦露的单纯而伟大的情感。艺术作品的简单直率和作品制作的繁复程序并存。艺术家隐去自身而留下对神的无限称颂。这样的作品又恰恰表达了作者全部的感情色彩并且让观者动容。我向往这样的艺术表达方式。在这个讲求效率与结果的当代，这样的作画方式并不会被太多认同。更多人会设想好结果并且尽可能达到他设想的结果。似乎这样做也是天经地义的事。我这几年的绘画是希望自己尽可能融入一种自我认同的绘画状态当中。用过程中的各种体验反观我自己的作品。就好比自己的画是自己的彼岸却又是一艘载着自己去彼岸的船。每一次颜色的涂抹都需要自己去体会中间可能藏着的机巧和秘密。如同体会生活中的所谓对与错。体验绘画就如同体验生活。对和错不一定就真的那样准确与有意义，唯有体验本身是自己当下的存在。把自己内心深处的那一些真实的单纯的原始的想法融合在这个绘画过程中，融合在观察世界和思考世界的过程中。有这样的过程是绘画最有魅力的一面，因此也是绘画个人性最珍贵的价值体现。我们在博物馆里看几百年前的大师作品，在感知作品主题的历史与社会含义之外还能感知到艺术家个体的情感波动和性格特征，这就是因为绘画在某种程度上可以保留绘画过程的痕迹，而让画家和观众在历史之间建立起物质触发的精神上的共鸣。好的作品是耐看的，绘画的繁复和缓慢是思想渗入的必要条件。灵性的闪光会像夹杂在岩石中的金子，就算埋藏在里面也还是有价值的。

　　有人觉得我近来的作品着眼点很奇怪，而我却觉得这样的作品呈现得很自然。相比之前的作品。那时候也总想急切地表达一个观念，现在却只是尽可能地保存好最原始的绘画冲动甚至要保持住那种刚开始就说不清与道不明的但却很想画的那种原始的绘画冲动。画到最后可以是说清楚了，也有可能还是没有说清楚，甚至有可能更加糊涂了。那就留下那种迷惑，那种隐隐约约的多义性，也留给观众一种类似又喜又忧的复杂感受。我觉得这才是我想要的一种艺术表达方式。画在一种复杂而变化的长久过程中呈现，生成的表象是自我的镜子。我是怎样即画是怎样，这无法掩饰，也无法装扮，更无法自我吹嘘。它摆在那里，赤裸却真实。我向往的那种无畏的直达深处却又表露无疑的绘画，那其实只是自我体验的一个绘画过程。

　　“尽观”是穷尽观察探索之意，意在迫使自己通过绘画来延长看的时间，挖掘看的深度，并且伴随着看来触动心灵的体验和内心的思考。我的绘画很少去关注社会热点，名人，美景。反而喜欢留意一些平常之物。生活中也总是会不经意间被这些平常之物吸引。愿意为它们停留驻足，投入时间，去描绘，去折腾。画它们就是探究这之中为何会吸引我的秘密。因为它的平常，从某种意义上它就更为坦然，纯粹与独立。其实这一点有些像自己。安于平常却又极重视自我的独立性。

　　绘画的复杂性和多义性和我们观察和思考的深度有关，“尽观”不仅仅是一个看的问题，伴随着看的依旧还是有灵魂的体验和反思，有绘画行动上的尝试与表达，有整个绘画过程的起起伏伏和迂回流转。留在作品中的是覆盖着这一切的一个最终表象，但它也还是艺术家不断探索追问过程中的临时节点而已。每一件作品，大家看到的是结果，留给自己的是疑惑以及开启新的尝试的再次涌动的绘画冲动。

《冥想者》布面油画 75cm×94cm 2012年

　　艺术家简介：

　　何振浩，1975年生于浙江海宁，画家，上海师范大学美术学院教师，TIAN 乐队（甜蜜的孩子乐队）成员，鼓手。曾在法、德等国及国内举办个人画展和联展，部分作品被美术馆和收藏家收藏。作品深受美术馆、画廊、机构、评论家及收藏家的关注。现工作生活于上海。

　　教育经历

　　1994年毕业于中国美院附中

　　1998年毕业于中国美院油画系

　　2005年毕业于上海师范大学美术学院，师从当代著名具象画家徐芒耀教授，获硕士学位。

　　2012年至2013年，中央美院油画系访问学者

　　2016年至今，在读美学博士。

　　创作特色

　　作为中国新一代写实主义画家的代表，何振浩在继承古典写实语言的同时，敏锐地关注着当代社会人的精神状态和心理特性。用一种新的肖像画的形式，以含蓄隐喻的表现手段，在作品中投射艺术家对世界以及周围人的感受和思考。用崭新的艺术观念和精湛的写实技艺表达艺术家眼中的当代精神和独特的人文关怀。在新的景物系列作品中，他更是以不平常的视角和思考深度来表现最不起眼的平常之物，在微小中体现宏大，在平实中凸显生命的精彩与悲情。以一种传统文人的细腻委婉的表述方式来传达当下社会人与自然的融合与冲突，无奈与希望。

　　个展

　　2011年“停留——2011何振浩油画个展”

　　2014年“酿画——2014何振浩作品个展”

　　2014年“活水——2014何振浩油画个展”

　　2015年“琢物水清——2015何振浩潘清双个展”

　　2016年“尽观——2016何振浩作品个展”

　　群展及活动

　　2017年

　　“第二届恭王府时代肖像艺术展”

　　“版画初心——刘海粟美术馆版画工作营作品成果展”

　　《执笔者》《冥想者》参加丹麦国家历史博物馆 “肖像进行时-2017肖像展”暨“嘉士伯基金会肖像奖”大赛

　　2016年