2013年，纽约新美术馆展出了“纽约1993：实验喷气机，垃圾以及无明星”,美国前总统比尔·克林顿就职那一年的艺术作品放满了展厅。去年，蓬皮杜艺术中心的梅茨分场展出了“1984–1999年: 十年”，再现了将法国艺术重新回归世界艺术舞台的那一代艺术家。“一如既往：1990年代的的艺术” 将于本月在新泽西的蒙特克莱尔美术馆展出。我们还总是将1990年代看作是“当代”，而这一系列的展览让我们意识到，虽然感觉有些仓促但这一年代已经成为了过去时。然而九十年代的余温还远远没有消散，其对于当代艺术创作和发展的影响远远超出我们的想象,甚至有人悲观的认为现在的艺术作品与九十年代时相比并无很大差异。

如果你想看懂二十世纪九十年代的艺术，那么需要先了解的不是那时的美学而是经济背景。在1991年艺术市场崩盘，大批画廊倒闭，很多当代艺术家的作品价格都缩水了一半，艺术作品的平均价格直到2003年才恢复。因此九十年代的艺术家经历了一段自我反思的时代。艺术经纪人玛丽·布恩（Mary Boone）在在经济危机时期说道： “人们对一切价值感到怀疑。如果说人们在八十年代是过度消费，那么九十年代则变为了节省。”

九十年代的艺术家关注种族,性别以及多元文化等,尤其是在颇受争议的1993年惠特尼双年展上有所体现.当时最引人注目的一件作品是由Daniel J Martinez创作的作品,上面显示着这样一句话“我无法想像一个人们总是想成为白人的世界。”网络的崛起也对艺术家的创作带来了很大的影响。艺术家开始明星化，尤其是在英国，当时YBA（英国青年艺术家团体）在艺术界引发了巨大的反响。九十年代的另一主题是全球化，各种双年展兴起并成为了艺术世界的重要组成部分。

Piotr Uklański的作品

在《关系的美学》（1998年）一书中法国策展人Nicolas Bourriaud说到：“艺术不再是物品的集合，而是关系的集合，每一位艺术家的作品都是艺术家与世界的联系。”九十年代那时只有很少一部分艺术家在用传统媒介创作作品，大多数的艺术家都不会将自己局限在某一媒介之中，而开始创作能够直接与观众互动的物品，事件以及艺术经验。Félix González-Torres将很多糖果堆在展厅中,观众可以随意拿取,他曾提到这些糖果代表着自己曾经去世的同性爱人；Rirkrit Tiravanija 在展厅里为观众提供了咖喱饭； Piotr Ulkański将整个展场的地面全铺上了彩色LED灯。在1997年Jeremy Deller在曼彻斯特与一个乐队合作创作了一件作品，他当时的说法正是典型的90年代艺术家所想的: “我意识到我不需要再创作任何物品。我在作品中只需要组织一些事件，让事情发生，并和人们一起享受这一时刻。”（来源:BBC Culture 作者:Jason Farago 编译:孟媛）

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