民生现代美术馆的“醍昂” 白明的陶瓷国度

 展览现场

天津美术网讯 由中国民生银行、北京民生现代美术馆主办，北京民生文化艺术基金会、中华文化复兴促进会、中国人民财产保险股份有限公司协办的“醍昂—白明的国度”于2017年4月22日到5月22日在北京民生现代美术馆展出。

展览的主题“醍昂”，来自于拉美魔幻现实主义大师博尔赫斯作品中虚构的城市，是虚拟王国乌珂巴的一部分。“醍昂”不仅是一个神秘的地方，更是由一批占星术家、生物学家、工程师、形而上学者、诗人、化学家、几何学家、道德学家、画家等编撰出来的另类而完整的知识体系，是由时间叠加起来的理想世界。

策展人徐钢在现场

艺术家白明（中）在现场为嘉宾讲解作品

策展人徐钢认为，白明的知识体系符合“醍昂”的隐喻，白明是活在时间中而不是空间中的艺术家，用理想主义和感情表达支撑着艺术创作，并生动而随时的变化着。特别是他在制造器物上的视觉表达，不是去迁就原来的各种形状，而是每一种形状都随着他的主观愿望和感情表达而随时改变。

此次展览展出了白明26年以来创作的作品近90件组，结构上分为“时”、“火”、“器”三个部分，以此完整而清晰的呈现白明的艺术价值。白明从油画到陶瓷、从综合材料到水墨、从抽象到具象、从传统美学到当代先锋，都一直游刃有余地纵横自由。

《山水与时间》 2015年

陶瓷中时间的痕迹

白明对于时间是极为敏感的，他多次写过或者谈过时间的问题，在《与时间对谈》中写道：“在我面前，一切都是永恒，一切都是瞬间......我的存在感是一直就是这样，我也不知道我是存在着还是没有存在过。就象你们人类也会质疑自己是否活着。”

在写这篇文章不久前，白明创作了横跨近150厘米的陶瓷雕塑，《山水与时间》。这样大横跨度的陶瓷很难烧制成功，在无数件烧坏的瓷器之后，才有了这件作品。这件作品本身就是一种时间的凝固，代表了漫长的烧制过程。作品中有文人意境，陶瓷的形状像是一座山，留下了水痕、悬棺和青苔的痕迹。白明非常巧妙地不着眼于写意或者写实，而是将写意的主观色彩作为时间的痕迹留了下来。

《文化虫洞·新洛神赋》2016年

展出白瓷作品

展览现场

白明的《文化虫洞》系列，本意是那种桑蚕在桑叶上、宣纸上留下的咬痕，带着江南烟雨中温暖的回忆气息。“虫洞”还有另外一层意思，也就是通过宇宙黑洞的无限大的质量的作用，将物体转换到另外一个时空中去。这样的意思，和白明对于时间的理解不谋而合：时间是没有过往、现在和未来之分的，一切都相聚在一起，通过感情凝聚。无论是《新洛神赋》、《烟雨江南》、《席纹如书》，还是《新游春图》，白明都是随机地抓住了时间层层的堆积，让我们有了一种失落于时间中的美好的错觉。

 白明作品

在烈火中涅磐

1979年，白明14岁的时候，在余干县电影院职工宿舍的家起火，在生死的边缘他得以近距离地看着火苗席卷一切。后来制作陶瓷，他跟火又打了几十年交道，他曾谈到：“这让我想到了一个字--‘熵’（物理名词，标志热量转化为功的程度），但我更愿意将这个字拆分，将它看成是伟大的浪漫，是人与火在创造中的协商与倾听，呈现共同的意志与微妙的强弱转换，多么神奇地符合了人与自然、造物的关系。”

展出作品

展出作品

展出青花瓷作品

在做陶瓷的过程中，火的温度，窑中每一部分的温差，都对陶瓷烧制的成功至关重要。经过火的洗礼，釉色得以千变万化。而釉里红是白明最喜欢的，他认为：“它有别于我们见到的任何自然之色，却又与自然的许多与红色相关的记忆与景象相联系相呼应。它虽出自人为，又不同于一切我们人类直接使用和调和的与红相关的颜色，却总是不经意回馈超出你想象和控制能力的美艳红颜。这样的红很容易将你打动并让你倾注深情，如瀑布般义无反顾。同时又是那样的让你捉莫不定，无法按你的设想让你轻易得见。按制作难度，釉里红比之青花更难，它的发色空间窄，发出纯正红色的空间更窄…… 好的釉里红总在下一窑。但我想这期待的更好的红，应是生机泼泼，应是丰艳多姿，应是新颖独特。一红释文彩、显妙有、舒柔暖、安自在。”

《大成若缺·墨韵》 2006年

器物的不完美与禅意

一条家犬守护着四个角四个容器，这就是“器”在醍昂词典里的动词含义。小心翼翼地守护、珍惜作品制作的过程和最后的成品，都是白明对待器的态度。珍惜和爱护还是其次，更重要的是白明用这样的态度达到他对于禅的理解，然后进一步将这种理解化入到器形的创造中去。

白明的陶瓷系列，《管锥编》、《大成若缺》、《瓷石之间》、《白氏杯》等等，都有创造性的器形上的突破，也是他被模仿、剽窃最多的作品。这些突破实际上是禅意的贯穿始终的结果。无论是陶瓷、油画、综合材料，还是水墨，都没有完美的可能性，陶瓷尤其如此。白明很早就认识到，与其挣扎着去达到完美，不如随性而为，留点遗憾和未尽之意，反而可能更符合禅意。

《白氏杯》

《参禅·形式与过程》 1997—2009年

《瓷石之间》

《瓷石之间·青白》

所以，白明所有以器形为重的作品，一定是有残缺、凹凸之美的，从形的开创性上来达到时间的质感的效果。2004年的《器：形式与过程》中每一件作品，都是对于泥和胎的材质、手捏的痕迹、手绘的随机、釉彩的多变、烧制的过程的独一无二的展现。

对于器的不完美，是白明表达自己的警惕心的方式：“艺术家在中国做瓷器是需要百倍自我警惕的。瓷之魅具有魔力。稍不留神就会被枝术与材质、工艺的百般讲究和无限之美带走了心神，这讲究与这绝美是那样的让人无法抗拒，是那样的让人自我迷醉，是那样悠久的与我们的文明、族群的心性息息相关，是那样的层层叠叠的形成了规范、定式和高度，在这已有的美的河流上你无需分辨就会顺应而行。这顺应而行是方便的，是享受的，也是躯壳的。所有这些都不是属于你的，不属于每天的鲜活，不属于艺术家。”

展览现场

展览现场

《管锥篇》 2011年

展览现场

观众观看作品

展览现场

 展览现场